Leonard Cohen - Songs of Leonard Cohen

Wenn ein Album bereits mit einem unantastbaren Song wie 'Suzanne' eröffnet wird, muss man nicht noch extra warten, bis einem der Scheuerhader um die Ohren gewichst wird mit dem Aufschrei "Meisterwerk!". Cohen, begleitet von sanftem Fingerpicking und subtilen Streicherarrangements, entführt in eine Welt der Sehnsucht und spirituellen Ambivalenz. 'Suzanne' glänzt mit einer fast unerträglichen Schönheit und macht sofort klar, dass man es hier mit einem Künstler zu tun hat, der mit Worten eine Tiefe erreicht, die jenseits des Alltäglichen liegt. Das gesamte Album ist ein Flüstern - intim, fragil und voller Poesie. Cohen schafft es, in jedem Lied einen Teil seiner Seele zu offenbaren. Seine Stimme, damals noch jugendlich und klar, verleiht den Texten eine fast unheimliche Authentizität. Die Produktion ist zurückhaltend und dient einzig dem Zweck, Cohens Stimme und Poesie ins rechte Licht zu rücken. Kein unnötiger Bombast, keine Überinszenierung - stattdessen eine reduzierte Instrumentierung, die Raum für Cohens poetische Welt lässt. Die Songs wirken dadurch wie intime Geständnisse - direkt und ungeschönt. Cohen ist nicht nur eine Stimme der 60er Jahre, sondern gehört bis heute zu den zeitlosen Erzählern, die die Kunst des Songwritings auf ein neues Niveau hoben.

The Birthday Party - Junkyard

"Junkyard" ist wie ein Absturz in die dunkelsten Abgründe der menschlichen Psyche. Die 1982er Geburtstagsparty ist ein fiebriger Albtraum voller Chaos, Wahnsinn und kreativer Anarchie. Nick Cave und seine fantastische Band lieferten ein Werk ab, das wie ein unkontrollierter Wutausbruch klingt - roh, verstörend und vollkommen kompromisslos. Eine brutale Attacke auf die Sinne, ein Krachgewitter aus dissonanten Gitarren, ratternden Rhythmen und Caves bedrohlichem Gesang, der wie ein völlig wahnsinniger Prediger durch die Songs tobt. Alles auf dem Album ist konzentriertes Gift, das sich durch die Gehörgänge frisst. Mit jedem Ton schreit "Junkyard" nach Verzweiflung und Zerstörung.
Die fulminante Gitarrenarbeit von Rowland S. Howard ist ein weiteres spannendes Kapitel auf diesem Werk - schneidend, fiebrig und unberechenbar. Songperlen wie 'Dead Joe' oder 'Big-Jesus-Trash-Can' sind klangliche Explosionen, in denen Howard und Mick Harvey ein musikalisches Schlachtfeld aufbauen, während Cave Texte ausspuckt, die irgendwo zwischen surrealen Horrorszenarien und dadaistischer Poesie passen. Die Band lehnte bewusst jede Politur am Sound ab und wählte eine ungeschliffene und beneidenswerte raue Produktion für das Album. Es ist jedenfalls weiterhin schwer zu sagen, ob "Junkyard" ein Meisterwerk oder ein anarchistischer Unfall ist - für mich verschmelzen jedenfalls diese Eigenschaften hier perfekt wie auf keinem anderen mir bekannten Album zu einem schockierenden und unbequemen Freudenfest. Ein beispielloser, wütender, musikalischer Höllentrip.

Hawkwind - Space Ritual

Live-Alben sind bei mir eigentlich von sehr wenig Interesse gesegnet. "Space Ritual" ist jedoch so ein kosmischer Urknall von einer rohen, ungeschliffenen Qualität, die den Geist der 70er Jahre perfekt einfängt und das Raum-Zeit-Kontinuum des Rock explodieren ließ. 1973, als Hawkwind ihren Zenit erreichten, entschieden sie sich, das Konzept des Livealbums auf eine völlig neue Ebene zu heben. Was hier festgehalten wurde, ist nicht bloß ein Konzertmitschnitt, sondern ein halluzinogener Trip durch die unendlichen Weiten von Space Rock und Psychedelic - ein unvergleichliches Spektakel. Dave Brock, Nik Turner und ihre Mitstreiter erschaffen ein Klangbild, das sich wie ein waberndes Sternenmeer aus dröhnenden Bässen, treibenden Rhythmen und intergalaktischen Synthesizer-Sounds entfaltet. Es ist eine wahre Zeremonie - irgendwo zwischen Schamanismus und futuristischer Techno-Apokalypse. Hymnische Beschwörungen, galaktische Funksignale, die durch die Szenerie irren, eskalieren in endlosen Loops und hypnotischen Grooves. Die Spoken-Word-Einlagen von Robert Calvert setzen dem ganzen Wahnsinn eine poetische Krone auf - eine düstere, surreale Vision von Technologie, Mensch und Universum. Das vielleicht beste Werk um sich von der Erdanziehungskraft zu lösen und (mit Hawkwind) in den Orbit zu katapultieren.

Mother Tongue - Mother Tongue

Mother Tongues selbstbetiteltes und gnadenlos fesselndes Debüt von 1994 ist ein echtes Kleinod, eine goldene Tonspur der Alternative Rock-Ära, das inmitten der Grunge-Welle leider komplett unterging. Die Band verwebt hier mühelos die rohe Kraft des (Psychedelic) Rock mit Funk-, Soul- und Blues-Elementen und schafft damit ein musikalisch äußerst vielseitiges Erstlingswerk, das zudem zu den besten Debütalben der Neunziger zählt. Die Stärke der Band liegt in der Mischung aus unausweichlicher, sagenhafter Energie und einem gewaltigen, verlotterten Groove, der den Mother Tongue-Sound so unverwechselbar macht. Bryan Tulao haut an der Gitarre rifflastige Ohrfeigen raus, die sich mal hypnotisch ziehen und dann wieder wie ein Donnern zuschlagen. Mother Tongue spielen nicht nur mit verschiedenen Genres, sondern auch mit vielfältigen Dynamiken. Die Songs wechseln zwischen ruhigeren, nachdenklichen Passagen und explosiven Ausbrüchen, die einem wahren Inferno nahekommen. "Mother Tongue" ist eines dieser seltenen Alben, das trotz seiner Understatement-Attitüde einen bleibenden Eindruck hinterlässt - ein facettenreiches, emotional geladenes Rockalbum, das völlig zeitlos ist, endlos frisch klingt und zu Unrecht im tiefen Schatten der großen Namen der 90er steht.

Joy Division - Closer

Das zweite und letzte Album der Band ist eine ehrfurchtgebietende, düstere Grabinschrift, das die Fragilität der menschlichen Existenz seziert. 1980, nur wenige Monate nach Ian Curtis' tragischem Tod, veröffentlicht, steht "Closer" wie ein Grabmal, das mit jeder Note eine schmerzhafte, aber wunderschöne Elegie darstellt. Das Album zieht einen in eine kalte, unversöhnliche Klangwelt, in der jedes der neun Klagelieder einen tiefen emotionalen Schnitt hinterlässt. 'Isolation' tanzt auf einer fast mechanischen Synth-Linie, doch hinter der scheinbaren Leichtigkeit lauert eine bedrückende Einsamkeit.
'Atrocity Exhibition' ist eine verstörende Einladung in die Gedankenwelt von Curtis. Mit tribalartigen Drums, klaustrophobischen Gitarren und einem pulsierenden Bass von Peter Hook entfaltet sich ein Song, der das Chaos und die Verzweiflung förmlich greifbar macht. Curtis' Stimme, zwischen Klage und Resignation schwebend, wirkt wie ein leises Echo aus einer anderen Welt. 'Passover' und 'Colony' entblättern die düsteren Schichten von Schuld und innerem Konflikt, getragen von Bernard Sumners minimalistischer, aber eindringlicher Gitarrenarbeit. Der wahre Herzschlag von Closer sind jedoch die letzten vier Songs - eine Sequenz, die in ihrer Intensität und Emotionalität beispiellos bleibt. 'Heart and Soul' wirkt wie ein schattenhaftes Flüstern, während 'Twenty Four Hours' das Chaos und die Rastlosigkeit von Curtis' Geist eindringlich vertont. 'The Eternal' und 'Decades' schließen das Album mit einer erdrückenden Melancholie ab, die sich wie ein schwerer Schleier über einen legt und gleichermaßen erschüttert und erhellt.
Die fantastische Produktion von Martin Hannett verleiht "Closer" eine fast ätherische Qualität. Jeder Ton, jedes Echo und jede Stille scheinen mit Bedacht gewählt, um die klaustrophobische Atmosphäre zu intensivieren. Die sterile Kälte der elektronischen Elemente kontrastiert mit der rohen Emotion, die aus jedem Wort und jeder Melodie fließt. Ein Album für den inneren Abgrund und eines der einflussreichsten und bedeutendsten Alben der Musikgeschichte.

Godflesh - Streetcleaner

"Streetcleaner" mit seiner rohen und "grausam" sterilen Produktion verkörpert nicht nur pure emotionale Gewalt, sondern ist auch gleichzeitig ein körperlicher Angriff, ein brodelnder Vulkan aus Industrial, Doom und Noise, der alles in seiner Nähe gnadenlos niederwalzt und für mich der unangefochtene Titan in diesem Bereich.
Ein grandioses, karges Sounddesign aus schleppenden, verzerrten und monotonen Gitarrenriffs, die wie kreischende Maschinen klingen, einem tonnenschweren mechanischen Bass und einem knatternden Drumcomputer - das klingt zuweilen ziemlich anstrengend und nervenzehrend, belohnt aber mit "Whoa"-Häppchen in dieser trüben Brühe. Über all dem thront Justin Broadricks kaltes, gequältes Brüllen, das die Verzweiflung und die vergiftete Atmosphäre aus Betonruinen und rauchenden Schornsteinen perfekt einfängt.
Jeder Song - ob das zermalmende 'Christbait Rising', der zermatschende Opener 'Like Rats' oder das schier endlose, hypnotische 'Streetcleaner' - ist ein Destillat aus Dissonanz und Unterdrückung. Die repetitiven Kompositionen verstärken die mechanische Ästhetik und vermitteln ein ständiges Gefühl eines immer wiederkehrenden Albtraums. Keine Wärme, keine Hoffnung. Alles wird hier gnadenlos mit einem stinkenden und giftigen Rauch erstickt, und man wird in eine apokalyptische Welt fallen gelassen, aus der es keinen Ausweg gibt. Ein phänomenales und legendäres Debüt, das so minimalistisch und radikal monoton in seinem Ansatz ist, dass es seiner Zeit weit voraus war und bis heute als Blaupause von Industrial Metal bis hin zu vielen extremen Metal-Sportarten gilt.

Nine Inch Nails - Pretty Hate Machine

1989 waren Synthesizer vor allem ein Werkzeug für schillernde Pop-Hymnen und Tanzflächen-Glitzer - bis Trent Reznor aus seinem dunklen Verlies kroch und das Instrument mit seiner ungezähmten Wut und düsteren Emotionalität fütterte. Er setzte hiermit einen wichtigen Grundstein für den Industrial Rock der 90er Jahre und weit darüber hinaus. Reznor kanalisierte auf diesem Klassiker-Debüt seine rohen Emotionen und verwandelte die Songs in gleichzeitig melodische und erbarmungslose Krach-Hits, die auch heute noch eine enorme Wirkung entfalten. Die Mischung aus aggressiven Synth-Bässen, hämmernden Beats und Reznors verletzlichem, oft vor Wut zitterndem Gesang war 1989 einzigartig und ist bis heute ein grandioses Fest für die Sinne geblieben. 'Terrible Lie' und 'Sin' sind nur zwei Paradebeispiele für die perfekte Balance aus Tanzbarkeit und emotionaler Zerreißprobe, aber das Album ist nicht nur Wut und Protest, sondern auch eine tiefe Reise in Reznors Psyche. Mit dem rohen und ehrlichen "Tagebuch"-Song 'Something I Can Never Have' präsentiert Reznor einen bodenlosen Abgrund, der einen mit minimalistischen Klavierklängen und gespenstischen Synthesizern in die Tiefe zieht. Auf dem Debüt gibt es noch eine saftige Portion Dissonanz und spürbare Ecken und Kanten laut zu beklatschen - eine wunderbare Glückstüte gefüllt mit dezentem Synth-"Pop" der 80er und einer großen Sättigungsbeilage der schmutzigen, nihilistischen Ästhetik, die den Industrial Rock später dominieren sollte. Ein höllisch intensives Werk, das ich immer wieder den Nachfolgern, so gut sie auch wirklich sind, vorziehe.